Le chemin vers le photographe professionnel : conseils, modèles & œuvres

FIV: Fotografen sind in Zeiten von Internet und Social Media nicht mehr wegzudenken und in fast jeder Nische zu finden. Wie bist du auf deinen Bereich gekommen? Gibt es eine Geschichte wie du dazu gekommen bist Fotograf zu werden?

Stefan: Meine Nische nenne ich einfaches Handwerk, Photographie. Das beherrscht nicht jeder, obwohl es den Anschein macht als würden das gesamte Social Media aus Photographen bestehen.
« Bobo – Der Jugendfreund meiner Mutter” ist meine Geschichte. Wir hatten viele Fotos Zuhause rumliegen, eines war ganz besonders – eine Selbstportrait-Doppelbelichtung von meiner Mutter und Ihm – das war der Grundstein für meine Photographie.

FIV: Als Fotograf ist man sehr oft unter Zeitdruck oder in Eile. was kannst du uns für Tipps geben die dir bei deiner Arbeit helfen das Ganze zu überstehen?

Stefan: Man kann nicht an der Uhr drehen! Meistens bin ich sehr vertieft in meiner Arbeit und lasse mich ungerne unter Druck setzen. Am besten ist es, die Uhrzeit nicht zu beachten. Und falls die Zeit nicht reicht, gibt es einen neuen Tag.

FIV: Deine Bilder scheinen einen gewissen Stil zu haben. Hast du ein Vorbild oder wovon lässt du dich inspirieren? Was möchtest du zum Ausdruck bringen mit deiner Arbeit?

Gedanken, Träumen, Persönlichkeiten, Phantasien

Stefan : Mes œuvres sont composées de nombreux pensées, rêves, personnalités, fantasmes et moments, l’expression est l’image elle-même. Si l’on peut qualifier cela de « style », je ne le sais pas.

FIV : Qu’est-ce que tu fais exactement dans ton travail et à quoi faut-il prêter une particulière attention ? Est-ce que tu dirais que le travail peut devenir monotone ? Qu’est-ce qui t’attire dans ton travail et quel est ton remède contre l’absence de motivation ?

Stefan : Mes travaux s’inscrivent à l’interface de la modernité, dans laquelle je cherche et ouvre de nouvelles possibilités d’expression grâce à l’invention de la photographie et à l’approfondissement de cette technique.

Attention particulière : Des motifs et des possibilités d’expression du surréalisme, de l’abstraction, de l’expressionnisme et du naturalisme, mais aussi de la photographie d’origine et du cinéma muet reviennent. Malgré l’inspiration visible et les références aux modèles historiques de l’art, mes œuvres ne sont pas des simples reproductions ou imitations. Je parviens plutôt à saisir l’esthétique et à la transférer sur des thèmes d’image actuels. En cela, ma langue visuelle est utilisée dans son mode d’effet pour focaliser des niveaux du rêve, de l’absurde et de l’inconscient. Ainsi, mes œuvres contiennent également des niveaux temporels qui lient le passé à l’actualité et, grâce à leur caractère visionnaire, stimulent des fantasmes et des visions.

Ou, pour le dire en termes simplifiés : « La liberté mentale est l’air que je respire. En général, je suis influencé par la vie, je me considère comme un observateur et un visualiseur qui aime la simplicité et le temps. » La limitation et l’arrêt me semblent extrêmement innaturels. La perfection est très importante pour moi, et quand je l’atteins, je montre l’imparfait pour renforcer le parfait, cela ne peut pas être monotone.

FIV : Stefan, dirais-tu que faire photographe est un travail normal comme les autres ou est-ce qu’on sacrifie aussi une partie de son temps libre en tant que photographe ?

Stefan : Mon temps libre est très important pour moi, je le prends consciemment pour réfléchir, recharger mes forces et ressentir. Je ne sacrifierais jamais mon temps libre, car c’est un bien très important, que nous devrions tous apprécier davantage, tout comme l’ennui !

FIV : Si tu penses à l’avenir, où te vois-tu dans cinq ans ? As-tu des projets ? Probablement, tu as déjà quelques projets en tête.

Stefan : Pour répondre adéquatement à cette question, je crois que je devrais probablement attendre cinq ans. Actuellement, je travaille à un projet nommé « SMPH » qui comprend de nombreuses séries différentes. Beaucoup d’artistes y sont impliqués, le projet vit grâce à/avec le temps. En outre, d’autres projets sont prévus, donc la réponse viendra dans cinq ans…

FIV : Dans presque chaque branche, il y a beaucoup de bons photographes commerciaux. Qu’est-ce que tu dirais qui fait que ton travail se distingue de ta concurrence ?

Stefan : Tout ce qu’ils peuvent faire, je le fais mieux.

FIV : Devenir indépendant est toujours une affaire risquée et un grand pas. D’où vient ton sentiment de confiance pour ce pas ? As-tu reçu un soutien de quelqu’un en particulier ?

Stefan : L’encouragement vient de ma mère. Le soutien vient toujours de mon épouse.

FIV : Nous savons que le métier de photographe implique beaucoup de travail. Travaillent-ils seul ou ont-ils des employés ou des partenaires qui les aident dans leur travail ?

Stefan : En principe, je fais tout seul, cependant cela ne serait jamais possible sans mes aides, assistants, amis et famille.

FIV : Ton style est très artistique. Tu apportes dans tes photographies des éléments comme par exemple des fleurs ou des jeux d’ombres. D’où sais-tu comment tu veux représenter le modèle et d’où viens-tu ton créativité ?

Stefan : Beaucoup d’éléments sont utilisés de manière consciente, d’autres apparaissent à travers des erreurs. Les erreurs m’entraînent en avant.

FIV : Parmi tes images (parfois même dans l’image) se trouvent des citations. Quel lien établis-tu avec ces citations ? Ou, autrement dit : D’où viennent les titres de tes séries de photos ?

Stefan : Les citations/titres reflètent mes sentiments personnels, mes émotions.

FIV : Enfin, ce qui m’intéresse beaucoup, c’est : quel a été jusqu’à maintenant ton plus grand succès ? Quel sentiment as-tu ressenti à ce moment-là ?

Stefan : La photographie est ma vie, elle a lieu maintenant et le passé sont des souvenirs, mes photographies. Le lendemain, ce sont mes pensées et mes rêves, ils sont incertains et libres.

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Lumière et ombre pour effet photo tridimensionnel

Plus la lumière tombe brillante sur un objet, plus elle déploie intensément son plein pouvoir de représentation. Mais à partir d’un certain point de luminosité, il avalerait simplement les formes et les nuances. L’ombre est la contrepartie importante à cela. Il garde un effet d’objet réaliste ou le modifie sous forme de contrastes vifs ou faibles. Un visage en photographie de portrait reçoit son éclat vif par le jeu habile de la lumière et de l’ombre, la profondeur nécessaire pour représenter la troisième dimension malgré un plan en deux dimensions. Les architectures peuvent paraître plus grandes en raison de l’ombre devant ou derrière elles ou fusionner schématiquement avec un environnement d’image. Les paysages à la lumière du midi semblent scintiller de vie, tandis que les plans du matin ou du soir capturent le silence de ces scénarios. En principe, la lumière, les ombres, les couleurs et les contrastes peuvent être retravaillés techniquement. Mais l’effet photographique tridimensionnel n’est créé dans le sens du photographe que lorsqu’il tente de placer l’optimum de la lumière disponible dans un rapport artistiquement avantageux à l’ombre.

Les directions lumineuses les plus importantes en un coup d’œil

Les directions lumineuses les plus importantes en un coup d’œil
L’intensité lumineuse varie d’une part en fonction de la distance par rapport à l’objet photo, d’autre part en fonction de la direction à partir de laquelle il tombe sur la forme. Cela change la direction de l’ombre ainsi que sa taille et son intensité. Ce sont les directions les plus importantes de la lumière pour les photographes :

• lumière latérale
  C’est la lumière qui tombe directement sur l’objet de gauche à droite ou amplifiée d’un côté. Lors de l’éclairage, le photographe peut soit placer le sujet dans la relation qu’il préfère par rapport à la lumière latérale, soit régler la position de l’appareil.
• lumière de choc
  C’est aussi de la lumière latérale, mais dans le langage du photographe, on l’appelle plutôt lumière latérale extrême. La lumière parasite peut littéralement avaler des parties d’un moule ou leur donner un contraste particulièrement prononcé.
• lumière arrière
  La lumière tombe directement de derrière un sujet sur l’appareil photo. Le photographe travaille donc dans le sens de la lumière, une technique de prise de vue que les professionnels ont tendance à dissuader les débutants. Mais utilisés avec habileté, ils peuvent être utilisés pour accentuer ou estomper les formes latérales du bord de l’objet.
• Rétroéclairage
  Ici, le photographe se tient devant la lumière, et la lumière tombe sur l’objet dans la même direction. Correctement, le feu arrière est aussi appelé phare parce que c’est la direction de la lumière du point de vue photographique.

Les meilleures conditions d’éclairage pour les cibles photo

Voilà pour les détails techniques sur la lumière et ses directions par rapport à un objet. Le choix de la lumière dans laquelle la force ou la douceur est optimale à l’heure actuelle dépend non seulement du point de vue professionnel, mais aussi du goût personnel du photographe. S’il ne peut pas le déterminer exactement au moment de la prise de vue (ou s’il veut laisser de l’espace), une série d’expositions permet de capturer le meilleur rapport lumineux. Automatiquement, un bon appareil photo numérique offre des préréglages de temps d’exposition, d’ouverture et de mise au point. Au lieu de prendre une photo exactement dans les mêmes conditions d’éclairage, il est également possible de créer des séries d’images avec de petites déviations en utilisant des réglages manuels. Plus les conditions d’éclairage sont complexes, plus les nuances peuvent être capturées par une série d’expositions. Plus tard, ces séries peuvent être évaluées et la meilleure peut être présentée comme la photo finale selon le goût préféré. Même pendant le post-traitement, les séries d’exposition peuvent être utilisées pour tester quel rapport entre la lumière et l’ombre est le meilleur foyer pour le photographe.

Réglage et contraste en photographie d’ombre et de lumière

Il est préférable de prendre des photos de l’atmosphère en fin d’après-midi. La lumière a un effet chaud et vient d’une direction qui est déjà basse. Les ombres s’allongent et des prises de vue émotionnellement attrayantes peuvent être prises en changeant de direction – même de nature surréaliste, et souvent sans post-traitement. Pendant les heures du matin, cela peut aussi réussir, mais la lumière du jour est alors différente, plutôt scintillante et moins « fatiguée ». Ces heures sélectionnent des photographes avec un penchant pour l’architecture afin d’immerger leurs bâtiments préférés dans des contrastes saisissants et de leur donner un aspect saisissant. La lumière rasante et la lumière latérale sont désormais idéales pour les dessins de contours particulièrement nets. L’heure du déjeuner n’est pas adaptée aux changements d’humeur passionnants et aux contrastes impressionnants. A ce moment, la lumière la plus brillante tombe exactement par le haut, les ombres restent courtes, les possibilités d’exposition réalistes mais peu spectaculaires. La photographie de portrait est plus facile que la photographie d’objets rigides lorsque les directions de lumière sont utilisées. Ce n’est pas le photographe et l’objectif, mais l’objet lui-même qui peut être amené dans la meilleure position lumineuse par son propre mouvement et sa propre rotation. C’est certainement une question de goût que de savoir si un objet photo est imagé avec des contours vifs et contrastés ou s’il est presque fondu dans un environnement lumineux. Pour trouver le point de prise de vue optimal entre ces deux extrêmes, le photographe d’ombre et de lumière peut préférer certaines heures du jour et des couleurs claires. Le bracketing de l’exposition permet de sélectionner la meilleure représentation à partir de cette sélection approximative.

Quale macchina fotografica è più adatta per la fotografia di gioielli?

In linea di principio, i fotografi amatori possono anche scattare spettacolari foto di gioielli con una macchina fotografica digitale mediamente attrezzata. Gli unici prerequisiti per un buon successo nella tecnologia fotografica sono le possibilità di impostazione manuale di

• la risoluzione dell’immagine (più alta è alta meglio è),
• l’esposizione
• il contrasto
• Un altro vantaggio è lo stabilizzatore d’immagine, che rende le riprese di dettaglio particolarmente brillanti. Tutte le altre preparazioni dipendono dall’abilità del fotografo.
• sfondo ottimale,
• una buona illuminazione dei dettagli
• un ambiente oggetto leggero e rispettoso dell’ambiente
• sono pianificate prima ancora che la telecamera scatti il primo scatto. Con un po’ di pratica e gradualmente l’occhio allenato di un fotografo, le foto possono essere scattate come se fossero direttamente dalla gioielleria. Se vuoi, puoi anche preparare una presentazione fotografica basata sulle vetrine delle gioiellerie.

La modalità fotocamera perfetta

Non la media delle fotocamere digitali o la migliore fotocamera reflex fornisce l’immagine perfetta. Anche la modalità fotocamera è importante. I principianti trovano difficile capire le abbreviazioni o l’uso di questi moduli. Benjamin vi spiegherà i vantaggi di questi moduli in pochi minuti. Con queste basi si riesce a diventare un professionista nel campo della fotografia di gioielleria.

Luce umida o migliore illuminazione chiara della stanza?

L’ideale per le foto di gioielli è la luce bianca e dura, che brilla piuttosto diffusamente sui gioielli. Il flash proiettava riflessi e ombre nitide, peggiorando lo scatto. Le sorgenti luminose adatte sono luci a LED, strisce LED o lampade a risparmio energetico. I tubi fluorescenti possono anche essere posizionati sopra i gioielli (o direttamente sotto il tubo). Un trucco contro le fonti di interferenza come i riflessi o le ombreggiature è un pozzo di luce costruito dall’utente.

Una palla bianca, preferibilmente in plexiglas, è adatta a questo scopo. Se viene dotata di un’apertura delle dimensioni di un obiettivo, può essere fissata alla fotocamera e quindi agire come un pozzo di luce per isolare otticamente il pezzo di gioielleria. Tuttavia, questo da solo non impedisce alle ombre indesiderate di interferire con la fotografia. Per questo motivo, è necessario provare in anticipo diverse posizioni della fotocamera per vedere in quale posizione le ombre cadono meno sopra o davanti al pezzo. Per un’illuminazione ottimale è necessario evitare anche piccole ombre.

Manipolazione professionale della luce

Per avere una migliore visione del mondo della luce, dovresti guardare il video. Ci sono 23 Nozioni di base di Light Former che vengono spiegate passo dopo passo in questa clip. Per una fotografia di gioielli un po’ professionale, la A&O.

Il contesto ottimale per una presentazione di gioielli di successo

I gioielli dovrebbero brillare in modo che sembrino ancora più nobili. Se il materiale di un gioiello è piuttosto liscio, ad esempio la pelle di un bracciale in pelle, è adatto come sfondo un panno di seta discretamente tinto, che può essere disposto con poche pieghe morbide. Ma il focus rimane sempre sull’oggetto fotografico, i gioielli. Il compito è quello di elaborarne i dettagli, cioè di incastonare la pelle alla luce, di far scintillare le pietre preziose o di incastonare le catene d’argento in modo ottimale.

I primi piani su uno sfondo altrimenti neutro ingrandiscono i gioielli e mostrano anche le incisioni più belle o le peculiarità di un’incastonatura di pietra. Invece di uno sfondo scuro, sono preferibili ambienti luminosi. Se ciò non è possibile a causa della natura della stanza, una lampada da tavolo può essere d’aiuto. I gioielli sono presentati in questo punto luminoso in modo tale che le aree più scure intorno all’area di ripresa non si rivelano vantaggiose.

prova tu stesso – Sakis spiega come funziona

Fotografia di gioielli per cataloghi, brochure, volantini o siti web. Hai bisogno di qualcuno che ne sappia qualcosa? In pochi minuti Sakis vi spiegherà come imparare a fotografare gioielli buoni ed economici. Con pochi strumenti puoi presentare i tuoi gioielli. Se ne avete voglia, potete anche modificare le vostre foto con un programma Photoshop.

Risultato: Con semplici trucchi è possibile creare immagini come quelle della gioielleria

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Per mettere i gioielli in scena in modo ottimale per una fotografia, si applicano regole diverse rispetto, ad esempio, alla fotografia di ritratto. Mentre i contrasti e le ombre creano emozionanti effetti visivi, entrambi disturbano solo i dettagli di un gioiello. Le foto di gioielli hanno maggior successo se l’oggetto fotografico viene preso il più possibile isolato da altri effetti di ombra e luce e se la luce naturale diurna viene utilizzata come illuminazione diffusa.

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Trucs et astuces pour les photographes amateurs

La formation de l’œil pour un motif réussi est très importante, car elle peut transformer un photographe amateur en un expert ambitieux. Cependant, il faut aussi un certain talent, un sens de l’intuition, un bon motif et la meilleure façon de le mettre en œuvre. En même temps, un photographe a besoin d’une bonne connaissance de la conception d’images, car seule la combinaison de l’intuition, de la formation oculaire et d’une expertise complète permet d’obtenir des images extraordinaires qui feront battre le cœur du photographe. L’un des principes techniques de base est de choisir la meilleure perspective. La plupart des photos sont prises à hauteur des yeux parce que la plupart des gens se tiennent debout lorsqu’ils prennent des photos.

Il n’y a rien de mal à ces photos et elles semblent naturelles. Mais de temps en temps, une autre position peut être encore plus efficace si le photographe s’agenouille ou choisit une position plus élevée et prend le sujet plus haut. Qui a le temps de tester la hauteur de la position avant le tournage, doit en profiter calmement, car ces changements de point de vue créent des vues complètement nouvelles. La situation est similaire avec l’espace négatif. Les photographes comprennent cela comme la partie de l’image qui n’est pas le motif principal. Son design a un grand impact sur le sujet lui-même et est donc important lorsqu’il s’agit de bonnes photos. Cet espace  » vide  » fixe le regard du spectateur sur le motif. C’est pourquoi les gens aiment travailler dans une pièce vide avec des détails flous au lieu de nombreux petits détails.

Le métier de la photographie

Vous voulez prendre des photos mais ne savez pas quoi faire attention ? Utilisez votre appareil photo et commencez à vous entraîner. En photographie, il y a de nombreux points importants à prendre en compte. Stephan vous montre dans un court clip, les 10 conseils de photographie les plus importants pour les débutants.

Images en noir et blanc – Le contraste est la clé

La majorité des gens aiment et apprécient les couleurs des photos. Mais les photos en noir et blanc ont leurs propres règles et montrent leur propre monde unique. C’est pourquoi ils existent toujours, même si la technologie est dépassée depuis longtemps. En plus de la beauté unique qu’offrent les photos en noir et blanc, la photographie en noir et blanc a aussi l’avantage de former l’œil pour les lignes, les structures et la composition des images. La couleur dirige habituellement l’œil vers les détails ou les formes qui ne sont pas importants pour la composition de l’image. Dans le contraste noir et blanc pur, les structures, l’espace négatif et les profondeurs de l’image sont plus apparents. C’est pourquoi un photographe amateur devrait jeter un coup d’œil aux réglages noir et blanc de son appareil photo numérique et parcourir la nature pendant un certain temps et, surtout, réaliser toute une série de portraits avec lui. Parce que non seulement les photos de nature gagnent par le contraste noir et blanc, mais aussi les gens montrent d’une manière merveilleuse dans ces photos leur caractère unique.

Tous les photographes aiment leur équipement et aiment l’expérimenter. Mais c’est précisément pour former son propre œil que le photographe amateur doit se concentrer plus longtemps sur un objectif et explorer toutes les possibilités que lui offre cette aide. Parce que cette restriction propre assure que le photographe au lieu d’utiliser plus d’accessoires ou d’aides traite le sujet lui-même et teste ainsi de nouvelles perspectives ou des dispositifs stylistiques, ce qui forme considérablement le sixième sens d’un photographe ambitieux.

Plus simple que prévu – Essayez-le!

Beaucoup d’entre vous publient sur les réseaux sociaux Selfies. N’avez-vous pas toujours voulu avoir une meilleure photo que les autres sur votre profil ?  Pour donner plus de professionnalisme à l’ensemble, Benjamin vous montre en quelques minutes comment faire des photos en noir et blanc dans votre pièce avec une seule lumière. Il peut être si facile de prendre de belles photos dans vos quatre murs.

De squatteur à Montréal à topmodel de la Haute Couture

Rick Genest est né en 1985 à Châteauguay, au Québec. À 15 ans, les médecins lui ont diagnostiqué un cancer du cerveau — une expérience qui a changé pour toujours sa relation avec son propre corps. La mort, la fugacité, l’anatomie sous la peau : de cette expérience existentielle est né plus tard le concept de ses tatouages. À 16 ans, il s’est fait tatouer ses premiers motifs à LaSalle, a vécu un temps dans la scène des squats de Montréal, et a participé à une foire de rue nommée « Lucifer’s Blasphemous Mad Macabre Torture Carnival ». C’était Rick Genest avant que le monde de la mode ne le découvre — pas une étoile de casting, pas un influenceur, mais un punk de la sous-culture.

Ce qui rend Zombie Boy si unique dans l’industrie : il n’est pas un mannequin que l’on « stylise ». Il est le message lui-même. Dans une industrie qui parle depuis des années de diversité, mais qui trie généralement seulement les tailles, les couleurs de peau et les genres, Genest a ouvert une autre porte — celle de la transformation corporelle radicale comme expression artistique. Celui qui veut comprendre à quel point ce déchirement avec l’esthétique classique de la mode est extrême devrait regarder en parallèle comment les carrières de mannequins se construisent — de la sélection à la candidature.

Le moment Formichetti : comment Facebook a lancé une carrière

L’histoire de la montée de Rick Genest de la rue à la passerelle est l’une des découvertes les plus inhabituelles des deux dernières décennies de la mode. Nicola Formichetti, alors tout juste nommé directeur artistique chez Mugler et proche collaborateur de Lady Gaga, a vu des photos de Genest sur Facebook. Aucun contact avec une agence, aucun manager. Formichetti a envoyé un message. Ce qui a suivi était suffisamment absurde pour ressembler à un scénario hollywoodien : Genest avait des affaires juridiques ouvertes au Canada. Pour qu’il puisse même quitter le Canada pour la démonstration Mugler à Paris en janvier 2011, sa mère devait déposer une caution d’environ 15 000 euros.

La démonstration est devenue un événement majeur de la saison. Genest a ouvert la démonstration masculine, un mois plus tard il a également participé à la démonstration féminine. Quelques semaines plus tard est sorti le clip de Lady Gaga pour « Born This Way » — Genest est allongé avec Gaga dans le lit, son maquillage squelettique orne son visage. 25 millions de vues sur YouTube la première semaine. Soudain, le jeune homme du Québec était peut-être le plus photographié de la semaine de la mode.

« Mes tatouages ne sont pas une provocation. Ce sont un rappel du fait que nous portons tous le même squelette. La mode n’a jamais été mon objectif — c’est la scène sur laquelle je peux montrer cette idée. » — Rick Genest lors de l’entretien avec Soraya Wanya

139 insectes, 176 os — l’anatomie d’une œuvre d’art

Les tatouages de Rick Genest ne sont pas un patchwork aléatoire. Ils ont été principalement réalisés par deux tatoueurs canadiens, Frank Lewis et Rick « Zuzu » Verdi — sur une période de plus de trois ans. Le motif squelettique suit les manuels d’anatomie. Sur le tronc, des insectes symbolisent le processus de décomposition : des scarabées, des vers, des araignées. Genest a dit plusieurs fois dans des interviews qu’il ne se voyait pas comme « décoré », mais comme « dévoilé ». C’est le point intellectuel de son apparence — et c’est ce qui l’a transformé d’un phénomène curiosité en un artiste à prendre au sérieux.

En 2011, Genest a obtenu deux entrées dans le livre des records Guinness : pour le plus grand nombre de tatouages d’insectes (139) et le plus grand nombre de tatouages d’os sur un corps (176). Mais peut-être le moment le plus important de sa carrière est venu en 2012 avec la publicité pour Dermablend. Dans cette vidéo, son tatouage squelettique entier est recouvert de maquillage — le « normal » Rick apparaît, sourit, se tourne. Le clip a accumulé plus de 30 millions de vues à ce jour et est considéré comme l’un des spots publicitaires de beauté les plus réussis de la décennie. Le message : derrière chaque apparence extrême se trouve une personne.

Pourquoi Zombie Boy est plus qu’une mode

Comme nous le montrons dans notre article sur les citations de mode de Karl Lagerfeld à Coco Chanel, la mode vit grâce à des figures qui sont plus que des mannequins. Elle a besoin de personnages dont l’apparence elle-même est une déclaration. Genest se trouve dans cette tradition à côté de Leigh Bowery, Daphne Guinness ou Isabella Blow — des personnes dont le corps et l’apparence sont devenus une forme d’art. La différence : Genest l’a accompli dans une ère des réseaux sociaux, où chaque deuxième adolescent poste un selfie avec un filtre crâne. Il a été le premier. Et il était authentique.

En parallèle de sa carrière de mannequin, Genest a peint, a joué dans des films (entre autres dans « 47 Ronin » avec Keanu Reeves), a été ambassadeur de marque pour les parfums Mugler et a travaillé avec des marques comme Diesel ainsi qu’avec diverses marques de streetwear. Contrairement à la plupart des top models qui tournent entre les castings, il était toujours un chef-d’œuvre complet — mannequin, performeur, univers de marque en une seule personne. Ceux qui s’intéressent aux structures de ce secteur trouveront dans notre aperçu des marques de mode A-Z exactement les maisons avec lesquelles il a travaillé.

Quelque chose qui était différent dans l’entretien

Soraya Wanya n’est pas la première fois qu’elle discute avec une icône de la mode. Mais l’entretien avec Rick Genest l’a visiblement marquée — et on le perçoit dans le ton général de l’entretien. Au lieu des phrases attendues comme « Mon squelette est mon message », les réponses portaient sur la mortalité, sur le diagnostic à 15 ans, sur la question de ce que signifie la beauté quand on regarde chaque jour dans des miroirs qui reflètent un squelette. C’est un entretien qu’on s’attendrait davantage à trouver dans un magazine culturel qu’un dans un magazine de mode.

Celui qui souhaite lire l’entretien complet le trouvera à partir de lundi à 18 heures à ce lien pour l’entretien avec Rick Genest. Nous recommandons de googler d’abord le look Mugler de 2011 — puis de porter attention consciemment aux yeux, et non aux tatouages. Cela change tout.

Carrière de mannequin, réalité & le prix de la visibilité

Eine Sache, über die in den meisten Beauty- und Fashion-Texten zu Zombie Boy geschwiegen wird: Was bedeutet diese Art von Sichtbarkeit eigentlich für die Psyche? Genest hat in mehreren Interviews davon gesprochen, dass er gleichzeitig erkannt und übersehen wird — Menschen sehen das Tattoo, nicht den Mann. Das ist ein Thema, das die Modeindustrie betrifft, weit über ihn hinaus. Wer eine Karriere als Model anstrebt oder international arbeiten